Des livres et mes envies

Red Queen

08:14

de Victoria Aveyard

« Mare Barrow, dix-sept ans, tente de survivre dans une société qui la traite comme une moins que rien. Quand elle s’avère détenir des pouvoirs magiques dont elle ignorait l’existence, sa vie change du tout au tout. Enfermée dans le palais de la famille royale, promise à un prince, elle va devoir apprendre à déjouer les intrigues de la cour, à maîtriser un pouvoir qui la dépasse, et à reconnaître ses ennemies », Red Queen (Tome 1), édition Le Livre de Poche

Es-tu sûr(e) de la couleur de ton sang ? C’est une question que tu devras te poster si tu souhaites te rendre dans le royaume de Norta.

Direction un univers dystopique où la royauté dirige d’une main de fer ses sujets et ses terres. Puissants et faibles. Argent et Rouge. Dieux et humains. Tout n’est qu’une histoire d’opposition. L’entre-deux n’existe pas. Du moins c’est ce qu’ils croyaient tous …

Mare, dix-sept ans, est une humaine. Son sang de couleur rouge est là pour lui rappeler sa place : elle appartient au caste des travailleurs et des opprimés. Les quelques sous et les objets qu’elle ramène de ses petits vols de rue ne suffisent pas pour aider sa famille et lui éviter son envoi imminent sur le champ de bataille. La guerre s’éternise et tue des milliers de soldats rouges. Un soir, le hasard croise sa route. Une rencontre mystérieuse dans une taverne va la mener au cœur du nid royal. Elle, simple sujet invisible et insignifiant, se voit élever au rang de future princesse, promise à l’un des fils du roi. J’imagine ce que vous vous dites, il ne manque plus que « ils vécurent heureux et eurent beaucoup d’enfants » pour croire à un conte de fée. Le récit renferme il est vrai un soupçon de magie et de fantastique mais restez en alerte car, dans ce palais diamant, le verre se brise : il y règne trahison, complots et faux semblants.

Ne faites confiance à personne, vous risquerez de vous faire piquer par un serpent. Mare l’apprendra à ses dépens. Le sang des Argents –cette élite détentrice du pouvoir- est aussi froid que la glace ; le cœur s’efface devant la raison et la manipulation. Mare se retrouve prisonnière dans ses robes de soie, contrainte de se soumettre à toutes les recommandations de la famille royale. La petite voleuse ne perd pas son esprit rébellion pour autant. Même si elle a à la fâcheuse habitude de tout ramener à elle (c’est sacrément agaçant quand elle recentre sur elle des enjeux qui dépassent son contexte familial et personnel), Mare affirme à de nombreuses occasions son courage. Un courage et un investissement parfois irréfléchi mais honorable.

J’ai beaucoup aimé cette société dystopique : Victoria Aveyard situe son microcosme dans une époque figée : entre l’Antiquité et la modernité. Dans les arènes de jeu on retrouve des écrans, les maisons de village sont munies d’électricité. Les combats se font à l’épée pour les uns et d’autres usent de leur don surnaturel. L’idée de différencier deux types de personnages, de classes sociales par la couleur du sang est assez ingénieuse. L’auteur nous offre donc une histoire fantastique au contexte original. Elle s’est amusée à nous présenter un petit kaléidoscope de portraits : on passe de la petite sœur exemplaire, au prince héritier tiraillé entre ses idéaux et sa position ou encore une jeune femme rebelle en quête de changement etc. De nombreux personnages gravitent autour de Mare et influencent ses choix. J’admets avoir un petit coup de cœur pour Cal, le prince voué à gouverner. Certes il affiche son côté cliché avec un tempérament ténébreux et parfois brutal mais il est attachant au fond. Après les héros ne sont pas bouleversants ou mémorables, ils répondent à des modèles souvent exploités dans les romans jeunesses ou young adult. N’attendant pas autre chose, je termine cette lecture conquise avec une intrigue palpitante, ancrée dans un univers original.

Red Queen : une dystopie intrigante que l’on apprécie pour son intrigue et son univers. Des personnages déjà-vu et une héroïne qui peut agace mais une histoire à laquelle on s’attache.

★ ★ ★ ★ ✩

Gwendoline

2017

Réparer les Vivants

02:02

de Maylis Kerangal

"Le coeur de Simon migrait dans un autre endroit du pays, ses reins, son foie et ses poumons gagnaient d'autres provinces, ils filaient vers d'autres corps". "Réparer les vivants" est le roman d'une transplantation cardiaque. Telle une chanson de gestes, il tisse les présences et les espaces, les voix et les actes qui vont se relayer en vingt-quatre heures exactement. Roman de tension et de patience, d'accélérations paniques et de pauses méditatives, il trace une aventure métaphysique, à la fois collective et intime, où le coeur, au-delà de sa fonction organique, demeure le siège des affects et le symbole de l'amour.", Réparer les vivants, édition Folio poche

Que se cache-t-il derrière Réparer les Vivants, livre salué par la critique et récompensé de dix prix littéraire ?

Réparer les Vivants c'est que l'on peut appeler un roman à plusieurs voix : sur un créneau de vingt-quatre heures nous suivons le destin dans jeune homme, Simon Limbres et de tous les protagonistes qui gravitent autour de lui. Simon voue sa vie à l'océan et au surf : il ne peut résister à l'appel des vagues. Lui et ses compagnons de surf taillent la route à l'aube dans leur vieux van en direction de la plage pour chevaucher ces murs d'eau. Cependant le drame s'immisce dans ce rite quotidien. Simon se retrouve d'urgence transporté à l'hôpital...

Lire le roman de Maylis de Kerangal c'est plonger dans les entrailles du corps humain et toucher ce mécanisme si mystérieux, fragile et incroyable à la fois : le cœur. Ce petit organe logé dans notre poitrine qui nous assure que nous sommes bien vivants. Plus qu'une histoire sur un jeune surfeur accidenté c'est le récit d'une transplantation cardiaque. Âmes sensibles s'abstenir : nous suivons le cheminement d'un cœur de son donneur à son receveur. Entre opération chirurgicale et sentiments, le texte fourmille d’images, d'émotions mais aussi de charabia médical. Deux facettes s'offrent à nous, deux visions de voir cette transplantation : une dimension rationnelle et médicale aux côtés des médecins, chirurgiens ou infirmiers ; ou bien une approche bien moins objective et beaucoup plus impliquée quand on traverse cette opération aux côtés des proches, de la famille ou du patient.

L'introspection au détriment de l'action. A chaque fois qu'une main touche le corps de Simon ou s'en approche, nous découvrons une histoire, une vie, un cœur dans un corps, un humain avec ces tracas, ces questions, ces pensées et ces détresses. Le fourmillement de ces esprits et les mouvements que ces êtres opèrent dans le monde s'opposent à l'immobilité de ce corps coincé sur un lit d’hôpital. La vie continue alors qu'elle paraît s'arrêter ou ralentir pour certains. C'est le cycle intemporelle de la vie : certains meurent et d'autres vivent. Et ce cœur devient le pont entre ces deux états : il disparaît d'une poitrine pour battre à nouveau dans une autre.

Ce roman est véritablement poignant, - à plusieurs reprises j'avais presque envie de vérifier si mon cœur était encore là à battre dans ma poitrine - qui montre la beauté tragique de ce geste : arrêter un cœur pour le faire battre ailleurs. Je regrette seulement les vagabondages dans la tête de certains personnages qui m'ont fait parfois décrocher de ma lecture et perdre le fil du récit de temps en temps.

Réparer les Vivants de Maylis de Kerangal est un très beau roman sur un sujet parfois délicat et méconnu. L'auteur illustre toute la complexité d'une transplantation cardiaque ; quand réparer les vivants revient aussi à dire adieux aux mourants.

Gwendoline

angleterre

Mrs Dalloway

17:04

de Virginia Woolf

"Les préparatifs d'une soirée, l'errance mentale d'un personnage énigmatique... C'est sur ces rares éléments d'intrigue que repose le récit d'une journée dans la vie de Clarissa Dalloway. Dans sa première oeuvre véritablement moderniste, Virginia Woolf rompt définitivement avec les formes traditionnelles du roman. Les souvenirs (ceux de Peter Walsh l'amour d'autrefois, de Sally Seaton l'amie de jeunesse) ressurgissent au gré de tout un réseau d'impressions et de sensations propres à l'héroïne, qui elle-même est vue à travers les yeux d'une myriade d'autres personnages (sa fille, Peter lui-même) qui traversent cette journée rythmée par le carillon de Big Ben, seul élément objectif qui demeure dans ce tableau impressionniste. ", Mrs Dalloway, édition Folio Classique

Mrs Dalloway : "Une révélation ! Un chef d'œuvre !", diront certains. D'autres d'un "livre de rien". L'œuvre de Virginia Woolf marque la littérature britannique pour sa singularité ; après les vers shakespeariens, les peintures réalistes de Charles Dickens ou l'ironie lumineuse des romances de Jane Austen : Mrs Dalloway dévoile l'intériorité d'une vie sur une journée.

Juin 1923. Londres. Les années folles semblent inconnues. Clarissa, Mrs Dalloway, riche femme de cinquante ans, nous ouvre le coffre de ses émotions le temps d'une journée et partage avec le lecteur la préparation d'une de ses soirées mondaines, interrompue par des visites, des rencontres inattendues ou le sursaut de moments passés. Plus qu'une histoire singulière, c'est le quotidien d'une femme dans la société et dans le mariage qui nous est conté. Big Ben sonne et un défilé de portraits s'offre à nous : le lecteur se promène d'âmes en âmes. Les points de vues se succèdent, les sentiments s'égrènent. C'est un tourbillon de pensées contraires, de souvenirs qui s'entrechoquent et dansent ensembles. Véritable éclat en matière de psychologie, ce roman délivre des perceptions du monde et d'autrui très différentes.

Accepter d'entrer dans l'esprit d'un des protagonistes c'est accepter la difficulté de la pensée humaine. Lire Mrs Dalloway peut se révéler être une épreuve ardue : il est nécessaire de lâcher prise, de ne pas s'attacher au sens des mots mais plutôt d'aborder le texte comme un flux de mots, un envol libre et discontinu de l'esprit. Virginia Woolf prend même le risque d'immortaliser la folie - cicatrice invisible et irréversible de la guerre - : la décrire par les mots et par les images fantasmatiques qui obscurcissent la réalité.

Œuvre de psychologie et non d'action, le mouvement intérieur de l'âme s'oppose toujours à l'immobilité de la routine de l'individu et le goût amer d'un temps passé. Oui le passé de Clarissa est évoqué, de même que sa situation amoureuse, familiale ou parentale. Cependant les sentiments priment toujours : et c'est avec une grande délicatesse, une poésie, une récurrence des images et des métaphores que l'auteur caractérise l'indicible. Elle rend vivant et compréhensible ces émotions qu'on juge inexplicables.

Cette œuvre mérite qu'on s'y attarde : une lecture ne me paraît pas suffisante face à la complexité et la richesse de ce texte. Ce livre est à lire en une fois c'est-à-dire faire de sa journée celle de ce juin 1923. Ne pas interrompre sa lecture permet de saisir le mieux possible ce déferlement infernal et inépuisable de la pensée. D'où l'absence de segmentation ou de délimitation dans le récit.

Pour conclure, Mrs Dalloway a signé un nouveau tournant dans la littérature britannique. L'action s'éclipse pendant que Virginia Woolf perce les secrets de l'âme humaine pour présenter un récit psychologique inédit, tout en portant un regard nouveau sur l'Homme et le monde !

Gwendoline

amitié

Beautiful Broken Things

11:26

de Sara Barnard

“Best friends Caddy and Rosie are inseparable. Their differences have brought them closer, but as she turns sixteen Caddy begins to wish she could be a bit more like Rosie – confident, funny and interesting. Then Suzanne comes into their lives: beautiful, damaged, exciting and mysterious, and things get a whole lot more complicated.”, Beautiful Broken Things, edition MacMillan

Un young-adult sans romance ? Il ne m’en fallait pas plus pour m’intriguer. Pas de triangle amoureux pour Beautiful Broken Things, mais plutôt un triangle amical. Direction Brighton, station balnéaire située dans le sud de l’Angleterre. Caddy et Rosie sont inséparables depuis leur enfance. Elles traînent toujours ensemble, s’adorent, se connaissent par cœur et rien ne peut les séparer. Du moins c’est ce qu’elles croyaient. Leurs entrées dans deux lycées différents n’avaient pas entaché leur amitié. Et pourtant cette harmonie se fracture lorsqu’un troisième membre s’ajoute à ce duo : Suzanne. C’est comme placer un poids sur un côté de la balance : elle se déséquilibre. L’amitié entre Caddy et Rosie, jusqu’à présent inébranlable, est comprise : tensions, rivalités et jalousie éclatent. Cette amitié à trois vacille constamment entre de forts sentiments fraternels et des disputes incessantes. Une telle dissonance ne peut mener qu’aux larmes et à la rupture. Quelle amitié survivra ? Celle que l’on connaît depuis des années ou celle que l’on trouve excitante pour sa nouveauté ?

On a tous déjà été confronté à ce genre de situation –du moins j’imagine-. L’amitié c’est un peu comme construire un mur ensemble, chacun y met du sien, place sa brique, et au fil du temps ce mur se fortifie. Puis un inconnu débarque du jour au lendemain et le mur se fissure. Dans ce roman, l’inconnue se nomme Suzanne. Nouvelle élève, populaire, extravertie, jolie, elle fait sensation. Une amie qu’on envie pour son charisme et son côté rebelle. Assez cliché. Pourtant ce n’est pas ça qui brise ce lien entre les deux meilleures amies. Non. Les responsables sont les démons enfouis dans l’esprit dans Suzanne et les sombres secrets qu’elle garde en elle.

Je ne vais pas vous mentir. Je cherchais une lecture en anglais limpide et sans complications et Beautiful Broken Things répond complètement aux critères. Le texte est compréhensible et épuré. Concernant l’intrigue, l’auteur a privilégié la psychologie des personnages et leurs sentiments au détriment de l’action. De très légers retournements dynamisent le récit. Ils auraient peut-être mérités d’être un peu plus approfondis ou plus surprenants.

Que dire de Caddy, Rosie et Suzanne ? Nos trois héroïnes sont paradoxales. Chacune a une personnalité qui lui est propre, un rapport à l’amitié bien particulier. Leurs différences les rassemblent mais les éloignent aussi. L’équation n’est jamais parfaite : un duo se détache et écarte un pion qui se retrouve seul. Les trois filles ont toutes une part de responsabilité dans les conflits qui se tissent entre elles. J’ai apprécié cette absence de manichéisme dans la conception de ces adolescentes cependant, en tant que lectrice, je suis restée extérieure au texte. Je n’ai pas réussi à m’attacher un seul de ces personnages même si certains traits de caractère coïncidaient avec les miens. Peut-être est-ce à cause de leur âge… je n’arrive pas à l’expliquer.

Beautiful Broken Things plaira aux amateurs de young adult. Un roman rapide à lire, un peu cliché. Un livre qui reflète les complexités des relations amicales mais pas que. Sara Bernard nous livre aussi un récit psychologique en couchant sur papier les noirceurs qui peuvent torturer l’esprit.

★ ★ ★ ✩ ✩

Gwendoline

2016

Songe à la douceur

02:07

de Clémentine Beauvais

« Quand Tatiana rencontre Eugène, elle a 14 ans, il en a 17 ; c'est l'été, et il n'a rien d'autre à faire que de lui parler. Il est sûr de lui, charmant et plein d'ennui, et elle timide, idéaliste et romantique. Inévitablement, elle tombe amoureuse, et lui, semblerait-il, aussi. Alors elle lui écrit une lettre ; il la rejette, pour de mauvaises raisons peut-être. Et puis un drame les sépare pour de bon. Dix ans plus tard, ils se retrouvent par hasard. Tatiana s'est affirmée, elle est mûre et confiante ; Eugène s'aperçoit, maintenant, qu'il ne peut plus vivre loin d'elle. Mais est-ce qu'elle veut encore de lui ? », Songe à la Douceur, édition Sarbacane

Une histoire d’amour. Une histoire de retrouvailles. Amour oublié. Amour retrouvé. Amour en suspens.

Tatiana et Eugène avaient dit adieux à leur premier amour, l’avaient enfermé dans une petite boîte qu’ils osaient parfois ouvrir. Mais un jour, le verrou de cette boîte se déverrouille sans prévenir et le passé leur saute à la figure. Leur vie d’adulte est déjà bien entamée lorsque leurs regards s’embrassent dans le métro. Surprise et gêne. Les adolescents qu’ils étaient réapparaissent. Et les souvenirs aussi. Nous, lecteurs, suivons le conte de cette histoire d’amour d’adolescente, de son début à sa fin, en se demandant si dix ans plus tard le dénouement sera le même.

En termes d’intrigue, cette romance reste assez simple : c’est le retour inattendu du premier amour qui éclate au visage, obsède et sème le doute. Néanmoins la particularité du roman s’observe dans sa forme et son écriture. Clémentine Beauvais innove en proposant une romance rédigée en vers. Un récit tout en délicatesse et poésie où mot et image se tiennent la main. Entre comparaisons, métaphores ou même calligrammes, c’est un nouveau rapport à la lecture qui s’affirme. Voir les mots qui descendent quand un des personnages descend en escalier ou avoir une phrase scindée en rythme pour représenter des mouvements de pas ou des battements de cœur. Cette œuvre hybride, mi- roman mi- poème, magnifie ce conte commun et réaliste et accentue la personnalité de cet homme et cette femme. Tatiana et Eugène se révèlent être des adolescents vagabonds et poétiques. A 14 et 17 ans, ils ont la particularité de s’échapper tout deux du monde : l’un plongé dans la littérature classique, l’autre ancré dans une perspective du Néant. Ces jeunes âmes questionnent le monde et la condition humaine, ils débattent, philosophent. Et entourés de cette coquille poétique, les héros laissent l’amour entrer dans leur cœur.

Que deviennent ces sentiments dix ans plus tard ? Une vraie inversion des sentiments amoureux s’opère chez les personnages, l’auteur s’amuse à zigzaguer entre leurs deux points de vue et on est forcés de constater que le temps fait grandir, fait évoluer. La Tatiana qui lisait des romans à l’eau de rose dans son jardin n’existe plus. De même que le révolté Eugène qui haïssait la vie et bannissait toutes émotions a disparu. Certes le ton est parfois fleur bleue et exagéré concernant l’expression des sentiments. Un halo romantique plane sans cesse au-dessus du texte. Mais attention à la fin. Fin réaliste et énigmatique, c’est maintenant au lecteur de prendre sa propre direction, de croiser les mots et d’imaginer le prochain chapitre de cette histoire.

La structure poétique de cette romance peut effrayer. L’auteur nous rassure en contrebalançant ce ton codé et abstrait avec l’intervention d’un personnage narrateur. Ce narrateur s’implique dans le récit, il n’est pas seulement conteur, il est juge et critique. Il lui arrive de se moquer du comportement des protagonistes, d’entamer un dialogue avec eux ou de symboliser le lecteur en ayant les mêmes réactions que lui. Ce narrateur dynamise la lecture et amène une légèreté au roman.

Songe à la Douceur c’est la réminiscence de sentiments adolescents, le surgissement d’un amour passé et la question de son évolution plusieurs années après. Conte du hasard, joli poème en vers, c’est une redécouverte de l’amour et de son écriture qui nous est proposé avec ce roman !

★ ★ ★ ★ ★

Gwendoline

2016

L'Oeuvre

11:15

de Zola

I’M BACK ! Poster mes chroniques m’a tellement manqué. Je suis désolée d’avoir laissé ce blog inactif pendant plusieurs semaines, mais je suis un peu submergée de travail à la fac en ce moment et je fais face à une petite panne de lecture. J’ai envie de lire mais ma tête ne veut pas alors je mets une éternité pour finir un livre. J’espère que je réussirai à retrouver un rythme de lecture pour les prochaines semaines ; je ne peux rien vous garantir…

Retournons au roman du jour, l’Œuvre de Zola :

« Camarade de jeunesse de Cézanne, ami et défenseur de Manet et des impressionnistes, Zola a résumé dans L'Œuvre toute son expérience du milieu et des problèmes de la peinture sous le Second Empire et les premières décennies de la IIIe République. Document de premier ordre sur ces «Refusés», ces «plein-airistes» que nous considérons comme les fondateurs de la modernité, L'Œuvre dit aussi la tragédie d'un homme, Claude Lantier, tempérament romantique hanté par des rêves d'absolu, le désir de «tout voir et tout peindre. Des fresques hautes comme le Panthéon ! Une sacrée suite de toiles à faire éclater le Louvre !» Mais, devant l'incompréhension de l'époque, l'absolu du rêve deviendra celui de la détresse, et Claude, qui a commencé comme Manet, aura la même fin que Van Gogh. », L’Œuvre, édition France Loisirs

Cette « œuvre » (c’est le cas de le dire : ) ne m’est pas tombée entre les mains par hasard. Ce livre fait partie de mes lectures imposées pour la fac, plus précisément d’un cours qui mêle à la fois la littérature et l’art. Zola a puisé son inspiration dans son quotidien et plus particulièrement dans l’amitié qui le lie avec Cézanne – un film vient de sortir à ce sujet intitulé Cézanne et Moi - et qui apparaît dans les personnages de Claude et de Sandoz.

Ce roman est un très beau témoignage sur les réalités de la condition d’artiste et du peintre dans la société, et notamment comment la peinture est perçue dans le Second Empire : quelles sont ses codes ? ses courants artistiques ? ses influences ? L’écrivain dépeint ces vérités sans ornements : cette vérité pure s’affiche à côté de la fiction. Zola va s’attarder à détailler un portrait en particulier : celui de Claude Lantier, un peintre déchu, en quête de cette « œuvre » qui bouleversera les règles de l’esthétique traditionnelle et qui imposera une nouvelle vision de l’Art. Il laisse les coups de pinceaux à Claude et lui esquisse son héros à coups de plume. Autour de cet individu gravite un groupe d’hommes, d’amis, avec leurs rêves et leurs idéaux Sur une vie, on les voit vieillir, évoluer et devenir parfois des êtres éloignés de leur ambition de jeunesse. Un seul semble ancré dans un cycle éternel : Claude. Certes, il grandit et il subit les surprises de l’existence et pourtant son processus créatif se répète. Toujours insatisfait et en quête de l’ « Œuvre », ce bijou pictural qui se révèlera à lui et lui apportera sa renommée, il est l’image de l’artiste tourmenté et passionné. Un éternel Romantique qui vit sa création. Une relation presque amoureuse naît entre l’artiste et sa toile. Une relation qui vire toujours à l’excès entre fascination et dégoût. Ces sentiments face à ses peintures sont toujours excessifs et violents.

Pourtant le lecteur s’attendrit devant le caractère pathétique de ce héros : vacillant entre des phases d’échecs et de révélations, humilié par les autorités du monde de l’Art et admiré par ses proches amis. De telles contradictions expliquent cette étiquette de poète incompris et inaccompli dans laquelle il s’enferme.

Cette histoire pose aussi la problématique du peintre et de son œuvre. Quel rapport il appartient avec elle et comment elle influence son rapport au monde ? Car plus qu’une passion, la peinture se révèle être pour notre personnage, une réelle obsession : esquisser, dessiner, gratter et recommencer pour gratter et redessiner. Reproduire le réel, l’embellir et donner vie à ces couleurs et ces corps magnifiés. Le mythe de de Pygmalion est largement visible à certains moments clés du récit. Tel Pygmalion devant Galatée, Claude tombe amoureux de ces nudités qu’il fait naître. Zola montre avec justesse cette complexité entre l’artiste et son œuvre en mettant des mots sur les sensations qui se dégagent de la contemplation d’une création et surtout grâce la vision d’autrui sur ce phénomène.

En plus d’être un texte sur l’artiste et l’Art au XIXème siècle à Paris, c’est aussi l’histoire d’un couple. Un couple que l’on voit éclore et faner au fils de ces 500 pages. La place du mariage et de la femme dans la vie d’artiste est très largement développée, et c’est d’ailleurs très intéressant à observer. Suivant l’artiste (qu’il soit sculpteur, peintre, écrivain ou architecte) l’illustration de l’amour et du mariage varie.

Chez Zola, il y a souvent ce contraste saisissant entre le bonheur et la tristesse, la misère et la richesse, le monde s’incarne avec ses oppositions : quand l’un est heureux l’autre se morfond. Et c’est cruellement vrai. A cela s’ajoute des mouvements ascendant ou descendant chez les personnages eux-mêmes en termes de condition de vie ou de popularité.

Pour revenir à la dimension picturale de l’œuvre, les passionnés d’art ne peuvent être déçus. Zola enrichit son texte de descriptions précises sur les peintures, les sculptures etc et on reconnaît d’ailleurs plusieurs œuvres mythiques de cette époque : dans le Plein Air de Claude on retrouve Le Déjeuner sur l’Herbe de Manet ou lors d’une exposition une peinture ressemble traits pour traits à Un enterrement à Ornans de Courbet. Une multitude de références artistiques parsèment le récit.

Par conséquent, l’Oeuvre perce les secrets de ces artistes parisiens incompris et révolutionnaires en plongeant dans l’intimité d’un peintre à la recherche du Beau dans un monde en pleine mutations, déchiré entre les vestiges du Romantisme et les prémices d’une modernité. Lire l’Oeuvre c’est accompagner le peintre dans son atelier, contempler son mariage des couleurs, assister à ses doutes et à ses révélations. Alors seriez-vous capable de courir les rues de Paris avec lui et de vous mettre à nu pour l’Art en laissant la toile absorber une part de vous-même et un morceau de l’âme de son créateur ?

Gwendoline

(MES PENSEES VONT AUX FAMILLES DES VICTIMES ET AUX VICTIMES DU 13 NOVEMBRE, 1 AN APRES CE DRAME)

2016

Harry Potter et l'Enfant Maudit

11:14

de John Throne, John Tiffany et J.K Rowling

« Être Harry Potter n’a jamais été facile et ne l’est pas davantage depuis qu’il est un employé surmené du Ministère de la Magie, marié et père de trois enfants. Tandis que Harry se débat avec un passé qui refuse de le laisser en paix, son plus jeune fils, Albus Severus, doit lutter avec le poids d’un héritage familial dont il n’a jamais voulu. Le destin vient fusionner passé et présent. Père et fils se retrouvent face à une dure vérité : parfois, les ténèbres surviennent des endroits les plus inattendus. », Harry Potter et l’Enfant Maudit, édition Gallimard

Laissez le Hedwig’s Theme résonner dans vos tympans. N’oubliez pas votre baguette et votre robe de sorcier. Préparez soigneusement votre valise pour la rentrée. Sur le quai 9/ ¾ embarquez dans le Poudlard Express, toujours resplendissant 19 ans plus tard. 19 après la bataille de Poudlard. Notre trio a vieilli, nous aussi. Le récit s’ouvre sur le prologue laissé par J.K Rowling dans Harry Potter et Les Reliques de la Mort en 2007. Harry, Ron et Hermione disparaissent sur le quai. Poudlard ouvre ses portes à Albus Severus Potter, le deuxième fils d’Harry. Un garçon timide, grognon et renfermé qui peine à trouver sa place et pense que porter le nom de Potter est un fardeau. Être le fils de l’Elu engendre certaines pressions. Albus va se lier d’amitié avec Scorpius, l’unique fils de Draco Malefoy. Tous deux subissent le jugement des autres suite à l’identité de leurs parents et ils vont volontairement s’embarquer dans une histoire de temps pour défier leurs pères respectifs, mais n’ont-ils pas sous-estimé les conséquences de leurs actes ….

J’ai préféré attendre un peu avant de vous donner mon avis, prendre du temps pour mieux vous parler de cette lecture. Harry Potter et l’Enfant Maudit ne pouvait échapper à l’engouement des fans, dont le mien, même si je refuse d’associer cette histoire à un huitième tome. Selon moi, Harry Potter se clôt à la fin des Reliques de la Mort. Je définis plus cette pièce comme un extra, un bonus. Il ne faut pas oublier que J.K Rowling n’est pas l’auteur principal, c’est le scénariste Jack Thorne qui est le créateur de cette histoire. Cette indication peut expliquer certaines critiques qui ont été dites.

Harry Potter et l’Enfant Maudit est une pièce de théâtre alors il est évident que ce texte ne possède pas les mêmes caractéristiques d’un roman et qu’il se détache des œuvres de J.K Rowling. L’action se succède à un rythme haletant ; le détail et la psychologie des personnages sont évincés. Pourtant je suis certaine que le rapport que le lecteur entretient avec la pièce et les personnages est complètement différent lorsqu’il devient spectateur. Je pense que la représentation théâtrale est nécessaire en complément de la lecture –avoir une place est un peu comme trouver une invitation pour la chocolaterie de Willy Wonka-. Au-delà du texte, se cache une partie indicible et invisible qui complète l’histoire : la mise en scène, l’interprétation des acteurs –notamment l’importance accordée aux expressions du visage, à la gestuelle ou au ton de voix-, les effets de lumières, les costumes et la musique sont des facteurs influençables sur la perception et réception de l’œuvre. Le support théâtral –ce support initial- pourrait expliquer quelques incohérences déplaisantes : une fabrication improbable du Polynectar, une représentation de Poudlard qui se limite aux élèves de Gryffondor et Serpentard ou même le portrait presque caricatural fait de Ron Weasley réduit à son côté gauche et bouffon (dans le sens comique du terme). C’est pourquoi, pour tenter d’avoir une approche juste de cette lecture, il faut comprendre le format inédit de ce texte.

Pour revenir à l’intrigue elle-même, elle se concentre sur un seul enfant d’Harry, Albus Severus Potter. Ce deuxième garçon supporte mal la renommée de son père et les effets que son statut produit. Albus est un adolescent maladroit, colérique et solitaire : aussi perdu que le jeune Harry dans l’Ordre du Phénix. De scènes en scènes, il ne cesse de s’éloigner de son père et de prendre le contrepied du rôle dans lequel on voulait l’enfermer. Ce mal être engendré par cette différence l’amène à rencontrer Scorpius. Scorpius donne un vent de fraîcheur à ce texte et contredit cette étiquette de « méchant » qu’on collait à la famille Malefoy. Le jeune serpentard porte sur ses épaules le poids de son nom et les rumeurs qui détruisent ses proches. C’est un jeune garçon amical, doux et un peu peureux. Plus que la trame narrative, j’ai beaucoup aimé cette amitié qui réconcilie des anciennes rivalités. La limite entre bon et mauvais paraît moins évidente. Ces nouveaux héros sont le point fort de cette histoire : ils sont aussi particuliers et originaux que le trio l’était à l’époque, et un goût pour l’aventure anime ces jeunes élèves qui défient les règles pour s’affirmer. En plus d’un éloge sur l’amitié, ce texte illustre aussi la relation filiale entre un père et son fils et sa complexité : c’est une confrontation entre deux générations.

Concernant les péripéties, Jack Thorne offre un début prometteur et innovant tout en nourrissant son récit d’éléments, des objets ou des scènes clés présents dans les romans de J.K Rowling. Cette pièce ne cherche pas une originalité mais elle rend hommage à cette saga en faisant plusieurs clins d’œil aux romans. Même certaines expressions orales semblent tirées du l’œuvre littéraire. Harry Potter et l’Enfant Maudit vise donc les fans du sorcier à lunettes et joue avec la nostalgie de cet univers grâce à un concept de « déjà vu ». Certes, on est émerveillés et heureux de replonger dans ce monde si familier, mais ces rappels n’empêchent pas les nombreuses discordances de l’intrigue.

L’évolution des événements scéniques et des personnages reste l’ombre du récit. L’action, les réactions et la manière dont sont décrits les héros chers à notre cœur m’ont parfois semblé irréalistes et éloignées de la conception que l’on a d’Harry, Ron et Hermione, des personnages que l’on a suivis pendant des années. Par exemple, j’ai relevé quelques épisodes qui m’ont assez déplu sur le trio : la représentation du couple Ron et Hermione se veut très démonstrative, « gnangnan » et cela mène à des moments que j’ai trouvé inadéquates avec cet amour pudique et discret qui naît au fil de sept tomes, ou des propos très durs tenus par Harry à son fils ou encore une scène au Ministère de la Magie qui discrédite complètement le pouvoir et l’intelligence d’Hermione – souvent décrite comme une des sorcières les plus intelligente de sa génération-. A cela je pourrai aussi ajouter des rapports entre nos anciens héros et leurs anciens professeurs parfois trop décalés.

Cependant le non-sens le plus total demeure dans le titre. Cette version inédite autour de l’ « Enfant Maudit » me paraît insensée. Certainement la fin est surprenante mai invraisemblable. Et ce choix d’interprétation marque bien une différence entre le récit de Jack Throne et les œuvres initiales de J.K Rowling. Si tu n’as pas encore lu le texte, je te conseille de t’arrêter là, car même si je ne citerai aucun nom, je préfère ne pas dévoiler implicitement le dénouement. SI on s’appuie sur le portrait fait de ce protagoniste par J.K Rowling, il est irréaliste qu’un tel être ait pu avoir un enfant. Cet être est dénué d’amour, d’émotion et l’unique once d’amour qu’il pourrait avoir ne serait qu’envers lui-même. Il n’a jamais rien cherché d’autre que l’immortalité et le pouvoir. Je ne pense pas non plus à une procréation à visée intéressée puisque il ne cherchait que la propre survie de son corps dans le temps. Son corps et non son sang. Alors cette perspective me paraît impossible, tout sachant que c’est un personnage uniquement centré sur lui-même.

Par conséquent, cette lecture me laisse perplexe : je suis déchirée entre la joie d’avoir retrouvée un monde magique avec des héros inédits et attachants et un sentiment de déception suite à des personnages initiaux méconnaissables et un dénouement incohérent. Face à cette contradiction s’ajoute la sensation d’une histoire incomplète. Derrière ce texte inanimé et stoïque, se cache tout en travail de représentation que l’on ignore et qui pourtant doit être majeur dans la réception de cette œuvre.

Harry Potter et l’Enfant est un beau récit d’amitié et de fraternité entre un père et son fils malgré des invraisemblances et une représentation assez spécifique du trio mythique. Ce texte ne demande qu’à être vu sur les planches.

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